Prometeo (1944)
Se interesó por el arte barroco y, desde
entonces, puede observarse cierta influencia de estas obras en sus posteriores
realizaciones, sobre todo en la organización compositiva de los grupos humanos,
en la que son evidentes las grandes diagonales, así como en la utilización de
los teatrales efectos del claroscuro, que descubrió al estudiar las obras de
Velázquez y Caravaggio, que le permitió conseguir en sus creaciones un poderoso
efecto dramático del que hasta entonces carecía, gracias al contraste entre luces
y sombras y a las mesuradas gradaciones del negro en perspectivas aéreas.
Se dirigió luego a Inglaterra pero el
carácter inglés, que le parecía "frío y poco apasionado", no le gustó
en absoluto y, tras permanecer breve tiempo en París, para tomar contacto con
"las últimas tendencias del momento", decidió emprender el regreso a
su tierra natal. Allí inició de nuevo la realización de grandes pinturas
murales para los edificios públicos.
Con la clara voluntad de ser un intérprete
plástico de la Revolución, José Clemente Orozco puso en pie una obra
monumental, profundamente dramática por su contenido y sus temas referidos a
los acontecimientos históricos, sociales y políticos que había vivido el país,
contemplado siempre desde el desencanto y desde una perspectiva de izquierdas,
extremadamente crítica, pero también por su estilo y su forma, por el trazo, la
paleta y la composición de sus pinturas, puestas al servicio de una
expresividad violenta y desgarradora.
Su obra podría enmarcarse en un realismo
ferozmente expresionista, fruto tal vez de su contacto con las vanguardias
parisinas, a pesar de su consciente rechazo de las influencias estéticas del
Viejo Mundo; el suyo es un expresionismo que se manifiesta en grandes
composiciones, las cuales, por su rigor geométrico y el hieratismo de sus
robustos personajes, nos hacen pensar, hasta cierto punto, en algunos ejemplos
de la escultura precolombina. Hay que recordar al respecto que Orozco, Rivera y
Siqueiros, el "grupo de los tres" como les gustaba llamarse,
defendían el regreso a los orígenes, a la pureza de las formas mayas y aztecas,
como principal característica de su trabajo artístico.
Una vastísima obra monumental
Cuando, en 1945, publicó su autobiografía,
el cansancio por una lucha política muchas veces traicionada, el desencanto por
las experiencias vividas en los últimos años y, tal vez, también el inevitable
paso de los años, se concretan en unas páginas de evidente cinismo de las que
brota un aura desengañada y pesimista. Europa nunca llegó a comprenderle,
porque sus inquietudes estaban muy alejadas de las preocupaciones que agitaban,
en su época, al continente, y porque no entendía, tampoco, el contexto social
en el que Orozco se movía.
Su gigantismo, sus llamativos colores,
aquella figuración narrativa que caía, de vez en cuando, en lo anecdótico,
respondían a unas necesidades objetivas, a una lucha en definitiva, que
parecieron exóticas en el contexto europeo. Era un arte que pretendía servir al
pueblo, ponerse al servicio de cierta interpretación de la historia, en unos murales
de convincente fuerza expresiva.
Hay que poner de relieve, como muestra del
trabajo y las líneas creativas del pintor, las obras que realizó, entre 1922 y
1926, para la Escuela Nacional Preparatoria de México D. F., entre las que hay
un Cortés y la Malinche, cuyo tema pone de relieve un momento crucial en la
historia de México, en trazos transidos de luces y sombras. De 1932 a 1934,
realizó para la Biblioteca Baker del Darmouth College, Hannover, New Hampshire,
Estados Unidos, una serie de seis frescos monumentales, uno de los cuales, La
enseñanza libresca genera monstruos, además de aludir oscuramente a su maestro
Goya, supone una sarcástica advertencia en un edificio destinado, precisamente,
a albergar la biblioteca de una institución docente.
Cortés y la Malinche
Para la Suprema Corte de Justicia de
México D. F., Orozco realizó dos murales que son un compendio de las obsesiones
de su vida: La justicia y Luchas proletarias, pintados durante 1940 y 1941. Por
fin, en 1948 y para el Castillo de Chapultepec, en México D. F., Orozco llevó a
cabo el que debía ser su último gran mural, como homenaje a uno de los
políticos que, por sus orígenes indígenas y su talante liberal, más cerca estaban
del artista: Benito Juárez.
Miembro fundador de El Colegio Nacional y
Premio Nacional de Artes en 1946, practicó también el grabado y la litografía.
Dejó, además, una abundante obra de caballete, caracterizada por la soltura de
su técnica y sus pinceladas amplias y prolongadas; sus lienzos parecen a veces
una sinfonía de tonos oscuros y sombríos, mientras en otras ocasiones su paleta
opta por un colorido brillante y casi explosivo.
Entre sus cuadros más significativos hay
que mencionar La hora del chulo, de 1913, buena muestra de su primer interés
por los ambientes sórdidos de la capital; Combate, de 1920, y Cristo destruye
su cruz, pintado en 1943, obra de revelador título que pone de manifiesto la
actitud vital e ideológica que informó toda la vida del artista. De entre sus
últimas producciones en caballete, el Museo de Arte Carrillo, en México D. F.,
alberga una Resurrección de Lázaro, pintada en 1947, casi al final de su vida.
En la producción de sus años postreros
puede advertirse un afán innovador, un deseo de experimentar con nuevas
técnicas, que se refleja en el mural La Alegoría nacional, en cuya realización
utilizó fragmentos metálicos incrustados en el hormigón. Su aportación a la
pintura nacional y la importancia de su figura artística decidieron al
presidente Miguel Alemán ordenar que sus restos recibieran sepultura en el
Panteón de los Hombres Ilustres.
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